PLÁCIDO (1961)

ESTRENO: 20 de OCTUBRE de 1961
DURACIÓN: 1 h 27 min
Depósito Legal: 5927-1961

Dirección: Luis García Berlanga 
Argumento: Luis G. Berlanga/Rafael Azcona
Guión: Luis G. Berlanga, Rafael Azcona, José Luis Colina, José Luis Fonto
Música: Miguel Asins Arbó
Fotografía: Francisco Sempere
Productor ejecutivo: Alfredo Matas

Plano inicial, con motocarro de Plácido y estrella de Oriente al fondo

24 de diciembre. Gabino Quintanilla (José Luis López Vázquez) es el encargado de dirigir una campaña navideña organizada por unas burguesas de provincias cuyo lema es: «Siente un pobre a su mesa». El objetivo no es otro que el de ayudar a que los más necesitados compartan la cena de Nochebuena con familias acomodadas y disfruten del calor y el afecto que no tienen durante el resto del año. Plácido (Cassen) ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día vence la primera letra del vehículo, que es su único medio de subsistencia. La película nos hará acompañar a ambos personajes durante el día de Nochebuena, una odisea a la que se unirán muchos otros a lo largo de la historia, en un frenético viaje por una ciudad de provincias en la España de los sesenta para poder hacer frente a la letra que le haría perder a Plácido su herramienta de trabajo. 

Plácido intenta pagar la letra de 7.000 pesetas
Las «artistas de Madrid» que vienen para contribuir a la colecta navideña para los pobres son recibidas en la estación

La trama de Plácido gira en torno a la celebración de las fiestas navideñas en una pequeña ciudad de provincia española y se inspira en una traslación, al pie de la letra, del lema de la campaña que cada Navidad, desde mediados de los años 50, llevaba a cabo una rama de la Congregación de la Medalla Milagrosa con el amparo del régimen franquista. El lema en cuestión era “Siente un pobre a su mesa” (por cierto, el título original de la película, que la censura obligó a cambiar) y servía para promover en esas fechas tan señaladas un sentimiento de caridad cristiana que fomentara la donación de alimentos y ropas para los pobres.

FRASE DE LA PELÍCULA

«Necesitamos el concurso de todos, de pobres y de ricos, porque para la caridad no hay fronteras. Toda la ciudad debe sumarse a nuestra campaña «Cene con un pobre». Que por una noche seamos todos hermanos, que por una noche los duros de corazón sean generosos, que por una noche cenen los pobres. Esta campaña está patrocinada por Ollas Cocinex, las mejores ollas a vapor del mundo».

La cabalgata de beneficencia con las artistas se cruza con un entierro

Berlanga encontró en el neorrealismo italiano una fuente de inspiración que queda plasmado en sus películas de los sesenta. Veía que este estilo era el único modo de dar testimonio de la realidad que vivía el país, rompiendo con el cine de la época y saliendo a la calle a rodar en exteriores. El neorrealismo era considerado como sinónimo de sencillez artística, y su intención consistía en buscar y aproximarse a la verdad.  A esa visión contribuyen, por supuesto, los geniales diálogos de Rafael Azcona a los que contribuyeron el propio Berlanga, José Luis Colinas y José Luis Font y, muy especialmente, la brillante realización de Luis García Berlanga.  Plácido es la primera de las muchas colaboraciones entre Berlanga y Azcona. De este tándem saldrían muchos filmes llenos de humor ácido y sátira social, entre los que brilla con luz propia esta parodia de la campaña navideña que el régimen franquista había puesto en marcha ese año. A medida que avanza Plácido, la tensión narrativa crece y los contrastes se acumulan dando lugar a esa realidad deformada cercana la absurdo. Así, cuando la cabalgata con estrella de Belén, ollas a presión gigantes y artistas con fanfarria se cruza con la comitiva del entierro, el resultado es una lenta y elegante secuencia que mantiene fijo el plano general de cuyos ángulos superior e inferior izquierdos salen las dos hileras, la festiva y la mortuoria, creándose una situación imposible en cuanto al contenido, pero coherente respecto a la estructura narrativa.

La subasta de los artistas

El film se organiza alrededor de dos ejes narrativos: el primero, la organización de una cabalgata navideña que culminará con la subasta de pobres locales y artistas foráneos, destinados ambos a aderezar durante la cena de nochebuena las mesas de los afortunados; el segundo, la urgencia que tiene Plácido por pagar antes de su vencimiento la primera letra de su motocarro.

Don Poli (José Gavilán), dentista, explica la reconstrucción de la dentadura de su perro Tupi ante la atenta mirada del pobre protagonizado por Luis Ciges

Berlanga articula varios planos-secuencia para dar entrada a una gran variedad de personajes, hasta conformar un laberinto de idas y venidas con los caminos de todos ellos perfectamente delimitados:

  1. La presentación de la familia Helguera con las preocupadas idas y venidas de la señora por la enfermedad del pobre.
  2. La comunicación por la ventana con el piso de abajo.
  3. El piso de abajo con el dentista, el perro y el pobre.
  4. El portal de la casa, el dentista y los Galán subiendo la escalera.
  5. Interior del dormitorio con el pobre acostado, vestíbulo con los que llegan; comedor, saludos y presentaciones; comer, beber, Plácido y su cesta; dormitorio y mención de Concheta.
La segunda cabalgata

LOCALIZACIÓN

El RODAJE, que empezó el 27 de febrero de 1960 y se prolongó durante siete semanas en MANRESA (Barcelona), contó con un reparto coral en el que encontramos a actores de la talla de Manuel Alexandre, Elvira Quintilla, Agustín González, Antonio Ferrandis, Amparo Soler Leal, y un debutante, el cómico Castro Sendra Barrufet (Cassen), que sorprendió al público con esta primera experiencia cinematográfica. El film marcó, además, el principio de una estrecha y fructífera colaboración con el productor Alfredo Matas.

Amparo Soler Leal y Antonio Ferrandis, actores que repetirán con Berlanga en La escopeta Nacional quince años después
Álvaro Gil (Agustín González) le presta su aspirador para la sinusitis a Gabino delante de Plácido

AUSTRO-HÚNGARO, LA PALABRA FAVORITA DE BERLANGA

La palabra se menciona en todos los films de Berlanga. En esta ocasión, el encargado de pronunciarla es Félix Fernández, pobre que está cenando en la casa de una de las familias que organizan la iniciativa navideña, en referencia a la guerra en la que participó cuando era joven. Curiosamente será el mismo actor quien pronunciará la palabra en la siguiente película de Berlanga, El verdugo. En la imagen inferior se le puede apreciar comiendo con Maruja Collado, una de las artistas de Madrid.

Félix Fernández y Carmen Valencia

HISTORIA Y CULTURA DE ESPAÑA

El humor de Plácido es negro como el carbón, y nadie se salva del fariseismo moral. La hipocresía de burgueses que sólo buscan aliviar sus conciencias da pie a gags memorables: la elección del viejito más adecuado para adornar la cena. La mala leche alcanza cotas tan gozosas que linda el surrealismo, como el hecho de que la esposa de Plácido trabaje y pase el día en los urinarios públicos, o que el país esté más preocupado de que «no se blasfeme» a que sus pobres puedan comer cada día y no pasen frío, un frío que puede sentirse a lo largo de toda la película y que es continuamente mencionado por todos sus personajes.

La película fue seleccionada por la Academia de Hollywood para participar en los Oscar categoría de Mejor Película del año en lengua no inglesa. Sin embargo, el premio se lo terminó llevando Ingmar Bergman por Como en un espejo (Såsom i en spegel). El propio Berlanga relataba en la siguiente crónica su experiencia tras su única nominación a los Oscar:

«Recuerdo aquel viaje a Los Ángeles como un hecho maravilloso, porque en aquel momento ser nominado era lo mismo que recibir el Oscar. Después, desde que se lo concedieron a Garci, a Almodóvar y a Trueba, todos los que son nominados tienen además posibilidades de llevárselo, porque por fin alguien en España lo ha conseguido. Pero entonces no. En 1962, cuando Plácido, el premio era ser nominado; lo de ganarlo no era ni siquiera un sueño. Lo que ocurre es que la gente, por lo general, nunca ha sabido distinguir entre una película seleccionada para el Oscar y una película nominada. Y esta confusión dependía sobre todo de la malicia y de la picaresca del productor de turno. Porque la selección es algo que hace en España la Dirección General de Cine, que dice qué película va a Hollywood representando a nuestro país, lo mismo que hacen otros cuarenta o cincuenta países. Luego es en Estados Unidos, en la propia Academia, donde quedan limitadas sólo a cinco las películas nominadas, las cinco películas extranjeras en lengua no inglesa que a juicio de la Academia de Hollywood son las mejores del año. En mis tiempos, en aquellos años sesenta, había productores que ponían de forma muy destacada «Película seleccionada para el Oscar», con unos titulares enormes, en la publicidad de la película. Y otros que siendo nominados, que era más importante, no hacían publicidad de ello, o mucha menos, con lo cual la denominación pasaba desapercibida. Y es que la nominación es un techo mucho más alto que la selección, y por eso para mí era ya como tener el Oscar… En nuestra época, no sólo para mí sino para los demás que fueron nominados –aunque no lo he comentado con ellos-, el hecho de la nominación era ya el máximo techo al que habíamos llegado. Sentíamos una excitación casi erótica, una satisfacción brutal porque representaba que ibas a ir a Hollywood como nominado, y allí te esperarían con un ceremonial maravilloso desde el principio.

Para empezar, cuando bajamos la escalerilla del avión, había dos señoritas esperando para recibirnos y acompañarnos, dos jovencitas que en nuestro caso fueron nada menos que Jane Mansfield, la célebre rubia tetona y maravillosa que se decapitó después en un accidente, y Angie Dickinson. Dos señoritas –dos grandes actrices, como es la costumbre- que nos esperaban con dos ramos de flores, uno para Alfredo Matas y otro para mí. Después nos llevaron en coche al hotel y nos dijeron que nos atenderían durante nuestra estancia en Hollywood, es decir, que nos acompañarían a los cócteles, a las recepciones, a todos los actos públicos. Y es que la Academia designaba a dos actrices importantes para que hicieran de azafatas o guías de los nominados, pero no a dos actrices del montón sino a dos señoras como la Mansfield, que en aquel momento era la estrella más fulgurante –como la Mae West-, y la Dickinson, una actriz de categoría que todavía está en candelero. En los cócteles a los que nos llevaban estaban los directores de Hollywood, entre ellos los viejos, con los que deseabas encontrarte: King Vidor, William Wyler, Billy Wilder… Directores que se te acercaban, te hablaban –casi todos entendían o hablaban francés- y comentaban tu película, algo de tal escena o de tal secuencia. Aquello era ya para morirse de la emoción: en aquel momento, en plenos años sesenta, un directorcillo español llegaba a Hollywood y el señor Frank Capra le saludaba y hablaba; o el señor Zinneman, a quien recuerdo diciéndome: «Es imposible, no me puedo creer ese presupuesto, porque sólo la escena aquella del reparto de premios, con aquellos extras, no es posible con ese presupuesto.» Te preguntaban cómo se había rodado tal o cual secuencia, o comentaban que les gustaba un determinado final. Era todo una maravilla, una maravilla. Teníamos un intérprete con el que yo me lo pasaba muy bien, un tío serio y aburrido que cuando íbamos en coche por la ciudad nos decía telegráficamente, señalando con el dedo: «rascacielos», «avenida», «palmera»… Como si fuésemos unos catetos. Lo más gracioso fue cuando de repente desembocamos en Santa Mónica, en el boulevard, y señalando el mar nos dijo: «Pacífico».

Nos hospedamos en un hotel muy antiguo –supongo que ahora les llevarán a otros más modernos- pero muy prestigioso, el Beverly Hills, en donde se han rodado grandes películas. Era maravilloso llegar a la habitación y encontrarte con una enorme cesta de frutas. Ahora es más corriente, pero yo era la primera vez que al llegar a una habitación me encontraba con una cesta de frutas del tamaño de una mesa, repleta de frutas de todo tipo colocadas con un gusto exquisito. Y luego, en la piscina del hotel, veías a todos los actores famosos; a Joseph Cotten, ya muy viejo y tumbado al sol, pues no se bañaba nunca; a Steve McQueen, a Elizabeth Taylor… Después de todo eso, lo que menos me impresionó y me interesó, donde más me aburrí, fue durante la ceremonia de entrega de los premios. Entre otras cosas porque estaba Bergman entre los cinco nominados extranjeros, que fue quien ganó, claro. Pero aunque no fuera evidente que iba a ser así –en una entrega de premios nunca se sabe-, a mí la ceremonia no me produjo la más mínima inquietud, y ni siquiera me di cuenta de cuándo llegó el momento de entregar el premio a la mejor película extranjera. Porque, además de que no sabía inglés, me estaba dedicando a mirar a los actores que andaban por allí. Después, la cena también fue aburridísima y ya ni siquiera había gente importante.

Plano final

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)

ESTRENO: 23 de MARZO de 1988
DURACIÓN: 1 h 28 min

Dirección: Pedro Almodóvar
Guion: Pedro Almodóvar
Productora: El Deseo
Productor ejecutivo: Agustín Almodóvar
Montaje: José Salcedo
Música: Bernardo Bonezzi
Fotografía: José Luis Alcaine 
Figurinista: José María de Cossío
Sonido: Guilles Ortión

SINOPSIS

Pepa (Carmen Maura) e Iván (Fernando Guillén Cuervo) son actores de doblaje. Él es un mujeriego empedernido y, después de una larga relación, rompe con Pepa y le deja un mensaje en el contestador pidiéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Pepa, que no soporta vivir en una casa llena de recuerdos, decide alquilarla. Mientras espera a que Iván vaya a recoger la maleta, la casa se le va llenando de gente extravagante –como Marisa (Rossy de Palma) y Carlos (Antonio Banderas), pareja a punto de casarse que busca un lugar para vivir, Candela (María Barranco), que se esconde de la policía, o Lucía (Julieta Serrano), esposa de Iván que busca recuperarlo, entre otros–, y de la que aprenderá muchas cosas sobre la soledad, la locura y la amistad.

Plano inicial

PEPA: «Pues si tú estás desesperada, yo también, y no me da por tirarme de la terraza. La gente joven no sabéis luchar por las cosas, os creéis que en la vida es todo placer, pues no, hay que sufrir, y mucho».

Pepa e Iván (y el orfidal)

CHICAS ALMODÓVAR

El concepto de «chica Almodóvar» comenzó a desarrollarse a finales de los años ochenta, sobre todo a raíz del éxito de esta película. Lolés León aparece aquí por primera vez en un film del director manchego y lo hace como secretaria del centro de doblaje en el que trabaja Pepe (1). Rossy de Palma y María Barranco se unen a un joven Antonio Banderas –que ya había trabajado anteriormente con Almodóvar– y se encuentran en el ático de Pepa (2). Chus Lampreave da vida a la portera «testiga de Jehová» del edificio en el que vive Pepa (3), y Willy Montesinos al taxista que recoge a Pepa hasta en tres ocasiones para ayudarle con sus respectivos planes (4). Kiti Manver es la abogada feminista, Paulina Morales, a la que acude Pepa para hablar sobre el problema de Candela, pero guarda una sorpresa que no se espera… (5).

El mayor asiduo a las películas de Almodóvar es su hermano Agustín (6), presente en pequeños papeles en todas sus películas. En este caso su papel es el de Juan, agente inmobiliario encargado de vender el ático de Pepa. La madre de ambos, Francisca Caballero, presenta el Telediario de TVE e informa de la detección de un grupo terrorista chiíta que será fundamental para el desarrollo de la película (7).

2A
2B
3
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5
6
7

EL TELÉFONO Y LOS CHIÍTAS

Candela se «quedó colgaita» (enamoró) de un terrorista chiíta sin saberlo, como le cuenta en privado a su amiga Pepa, y lo hospedó en su casa junto a dos amigos, también terroristas. Cuando descubre que el terrorista la había utilizado para ocultarse y que la policía los ha atrapado, Candela escapa y va a esconderse en casa de Pepa. La relación entre Candela y el terrorista, junto con la que se desarrolla entre el teléfono y Pepa –o mejor dicho, los teléfonos, símbolos de la comunicación, pero que fracasan completamente–, es el germen de la historia de la película y conectará a todos los personajes entre sí, incluido a la policía.

Iván

EL GAZPACHO

El gazpacho (andaluz), ejemplo de mezcla y unión de ingredientes, terminará siendo el arma de Pepa para resolver todos los problemas. Su color rojo, tan característico del cine almodovariano y color del vestido que lleva la protagonista durante la mayor parte de la película, lo convierten en un personaje fundamental al final de la cinta.

–LISTA DE CANCIONES Y MÚSICA– 

  1. «Soy infeliz» – Lola Beltrán
  2. «Capricho español» y «Scheherazade» – Rimsky-Korsakov
  3. «Puro Teatro» – La Lupe
  4. «Me va, me va» – Autor: Ricardo Caratto Bernardi, interpretada por Chus Lampreave.

LOCALIZACIONES

La película está rodada en MADRID.

La imagen inferior muestra el edificio de la Calle Almagro, nº 38.

HISTORIA DE ESPAÑA

La imagen muestra una estampa típica de la España de los ochenta. Por un lado los niños jugando al aro (o «hula hoop»), un taxi madrileño de esta década y una máquina de petacos o pinball con la imagen del Mundial de Baloncesto (Mundobasket) de 1986. La selección española llegó a esta competición como una de las favoritas, después de conseguir la medalla de plata en los juegos de Los Ángeles 1984. Finalmente terminó en quinta posición.

PLANO FINAL

CURIOSIDADES

El rodaje de la película se realizó en orden cronológico, tal y como el director manchego pensó que debía hacerse para que le ayudara en su labor con la trama y los personajes.

Pedro Almodóvar recibió su primera nominación al Óscar a mejor película en habla no inglesa por esta película en 1989, pero no pudo ganar la estatuilla, que terminó recibiendo Pelle el conquistador. También estuvo nominada a los Premios BAFTA y a los Globos de Oro en la misma categoría, pero no consiguió ninguno de esos premios extranjeros. Sí que fue la gran triunfadora de los Premios Goya de 1989 con el galardón a mejor película, mejor actriz protagonista (Maura), mejor actriz de reparto (Barranco) y mejor guion original para el propio Almodóvar.

La película alcanzó tanto éxito internacional, sobre todo en Estados Unidos, que fue convertida en un musical que se estrenó en Broadway en 2010.

Women On The Verge Of A Nervous Breakdown (Original Broadway Cast Recording)

EL VERDUGO (1963)

Cartel promocional

ESTRENO: 17 de FEBRERO de 1964
DURACIÓN: 1 h 31 min

Dirección: Luis García Berlanga
Guion: Luis García Berlanga y Rafael Azcona (colaborador: Ennio Flaiano)
Productor: Naga Films S.A. de Madrid y Zebra Films S.P.A. de Roma
Productor ejecutivo: Nazario Belmar
Música: Miguel Asins Arbó
Fotografía: Tonino Delli Colli 
Decorador: José A. de la Guerra
Vestuario: Humberto Cornejo
Peluquera: María Teresa Gamborino

Realizada en los Estudios CEA de Madrid
Laboratorios: Madrid Film

Depósito Legal: Nº M-9964-1963

Plano inicial: la leche migada

SINOPSIS

José Luis Rodríguez (Nino Manfredi), empleado de una funeraria, proyecta emigrar a Alemania para aprender mecánica: «una cosa más moderna». Un día, recogiendo el cadaver de un reo que ha sido ejecutado, conoce al verdugo Amadeo (Pepe Isbert). Como el tranvía va a tardar mucho en llegar, José Luis y su compañero (Ángel Álvarez) invitan a Amadeo a ir con ellos en el coche fúnebre. Al bajar del coche, Amadeo se olvida su caja de herramientas en el coche y José Luis se la lleva a su casa. Allí conocerá a Carmen (Emma Penella), hija de Amadeo. Un día, cuando Amadeo regresa a casa, éste los sorprende en la intimidad y los obliga a casarse «porque eso no tiene más que un arreglo». Ante la acuciante falta de medios económicos de los recién casados y a su próxima paternidad, Amadeo, que está a punto de jubilarse, trata de persuadir a José Luis para que solicite la plaza que él va a dejar vacante, lo que le daría derecho a una vivienda proporcionada por el estado. A regañadientes, José Luis acaba aceptando la propuesta de su suegro, esperando que jamás se presentará la ocasión de ejercer tan ignominioso oficio.

Berlanga se inspiró en el famoso caso de «la envenenadora de Valencia», Pilar Prendes Expósito, que fue la última mujer condenada a muerte en España mediante el garrote vil el 19 de mayo de 1959. Berlanga tuvo noticia de la ejecución trámite un abogado amigo, quien le explicó cómo el verdugo encargado de ajusticiarla, Antonio López Guerra, sufrió un ataque de nervios a la hora de llevar a cabo su función profesional. Berlanga manifestó que fue la única de sus películas que nació de una imagen, a partir de la cual construyó el resto de la historia con la colaboración de Azcona.

¿Has visto al verdugo? Le estaban pagando. Oye, ¿cuánto cobrará por esto?

Y yo que sé, la verdad es que parece una persona normal. Si yo me lo encontrara en el café o en el cine, no diría que es un verdugo.

–LISTA DE CANCIONES Y MÚSICA– 

  1. Twist «El Verdugo» – Adolfo Waitzman

A excepción de los títulos de crédito, la escena del embalse, la de la boda y la del final, la película carece de música.

José Luis López Vázquez es Antonio, hermano de José Luis, y está casado con Estefanía (María Luisa Ponte). Los tres viven juntos con los hijos de la pareja en la casa-sastrería de Antonio al comienzo de la película. El papel de protagonista estaba preparado para López Vázquez, pero al tratarse de una co-producción, fue necesario utilizar a un actor italiano. Berlanga confesaría que su relación con Nino Manfredi no fue fácil: «Hacía demasiadas preguntas» y «no acababa de parecer un español». Berlanga llegó a afirmar que «es el tipo de actor que a mí precisamente no me va bien. Es muy bueno, pero hace muchas preguntas. Nino se angustiaba porque yo no le decía nada, porque no le daba indicaciones. Por las noches me perseguía para que repasáramos juntos el guion y yo me escabullía como podía. Se sintió, el pobre muy abandonado».

El popular actor Emilio Laguna interpreta a un aduanero encargado de inspeccionar un ataúd que ha llegado al aeropuerto con un muerto en su interior procedente en un vuelo de Estados Unidos y que será trasladado por José Luis y Álvarez. Abajo, la famosa escena en el aeropuerto con la familia del finado corriendo detrás del coche que lo transporta.

El coche fúnebre

En El verdugo se dan cita actores de la talla de: Alfredo Landa (en la imagen con José Luis Coll), cuya voz fue doblada por José María de Penagos y que da vida al monaguillo de la iglesia donde contraen matrimonio José Luis y Carmen; Chus Lampreave, Lola Gaos y Julia Caba Alba, quienes han recibido un piso de protección oficial similar al que recibirá José Luis si acepta el trabajo de verdugo; José Sazatornil «Saza», encargado de administrar los pisos de protección oficial; Antonio Ferrandis es funcionario de la prisión en la que José Luis tendrá que ejecutar a su primer reo, interpretado por Manuel Aleixandre, ambos asiduos en las películas de Berlanga; María Isbert, hija de Pepe, representa a Ignacia, mujer de Álvarez.

Como era habitual en el cine de Berlanga, son varios los planos largos que aparecen en este largometraje. El primero de ellos ocurre ya al comienzo cuando Amadeo va en el coche fúnebre con José Luis y Álvarez y salen de la cárcel en la que han recogido el cadáver del reo ejecutado (1). El segundo plano largo muestra la entrada en casa de Amadeo antes de descubrir a su hija a medio vestir con José Luis y que provocará el matrimonio de éstos (2). Otro plano largo nos enseña la llegada de los novios a la iglesia mientras los monaguillos recogen la alfombra de la boda de alta alcurnia celebrada inmediatamente anterior a la suya (3). El último plano largo del film tiene lugar cuando José Luis es transportado, o mejor dicho arrastrado, al patíbulo detrás del condenado antes de la ejecución (4). En esta escena el verdugo se convierte en víctima, situación que simboliza toda la película y la forma en cómo la vida nos guarda trampas por las que una decisión puede condicionar el resto de nuestras vidas. La famosa escena tuvo lugar en el patio de un gimnasio y, cuando el decorado estuvo listo, Berlanga se encargó de que la puerta que aparece al fondo fuera muy pequeña para dar la sensación de lejanía.

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LOCALIZACIONES

La película está rodada en MADRID y MALLORCA. La dirección de la casa madrileña donde consiguen el piso nuevo de protección oficial es «Polígono Sur, Grupo 4, Bloque 17, Tercero Derecha».

En la imagen inferior una parada de Metro o Subterráneo. Después, los tres protagonistas principales disfrutan de un helado frente a la calle José y Fernando Serrano Súñer (hermanos asesinados de Ramón, cuñado de Franco). Más abajo, en la llegada al Puerto de Mallorca y en las Cuevas del Drac.

José Luis en Mallorca para su primera ejecución
«Don José Luis Rodríguez, se busca a José Luis Rodríguez»

AUSTRO-HÚNGARO, LA PALABRA FAVORITA DE BERLANGA

La palabra se menciona en todos los films de Berlanga. En esta ocasión, el encargado de pronunciarla es Félix Fernández, organista de la iglesia, quien ya hizo de pobre en el film anterior de Berlanga –Plácido–, en referencia a una obra que va a ser estrenada esa noche y que se titula Idilio austro-húngaro. En la imagen inferior se le puede apreciar devorando los recortes de las hostias a consagrar en la iglesia al lado de Alfredo Landa.

La película se estrenó en el XXIV Festival de Venecia de 1963 y llegó a los cines de Madrid a comienzos de 1964. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine español, El verdugo satiriza los rasgos más oscuros de la España de los años sesenta con un sentido del humor capaz de ganar para su causa la consideración de cumbre de la comedia negra. Bajo la visión propuesta por la película sobre la hipócrita y corrupta sociedad española, Berlanga elabora lo que el crítico José María Latorre definió como «el sentimiento tragicómico de la existencia» que le acompañará en el resto de su filmografía.

La situación política no ayudó con el estreno. En abril de 1963 había sido ejecutado Julián Grimau, y, en agosto, dos semanas antes del estreno veneciano, habían recibido garrote vil los anarquistas Francisco Granados y Joaquín Delgado. Sorprende que Berlanga lograra burlar la vigilancia de los censores, aunque, como era de esperar en la España controladora de Franco, la película recibiera numerosos cortes por duración de 4 minutos y 31 segundos como el director indicó años después. El embajador de España en Roma, Alfredo Sánchez Bella escribió que era «uno de los más impresionantes libelos que jamás se han hecho contra España; un panfleto político increíble, no contra el régimen, sino contra toda una sociedad». 

La película se rodó como coproducción entre España e Italia y obtuvo el Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor guion, así como el del Sindicato Nacional del Espectáculo a la mejor actriz para Emma Penella.

Plano final: Adios Mallorca

Como suele ocurrir en el cine de Berlanga, al comienzo de sus películas los protagonistas suelen encontrarse en una situación difícil de la que tienen que salir mediante la resolución de uno o varios problemas concretos. Al final, después de una odisea en la que el espectador puede llegar a pensar que finalmente se solucionaría el problema, están en una que es infinitamente peor.

CURIOSIDADES

La película se rodó en 110 tomas.

Para la escena de la boda, Berlanga se basó en la suya propia con su esposa María Jesús, cuando les tocó casarse después de una boda de gran postín.

Emma Penella, quien da vida a Carmen en la película, alcanzaría un enorme éxito con su papel de Concha en la popular serie de televisión Aquí no hay quien viva entre 2003 y 2007. La actriz fallecería en agosto de 2007 a la edad de 76 años.

Nino Manfredi fue doblado al español por José María Prada.


PERFECTOS DESCONOCIDOS (2017)

Cartel promocional de la película

ESTRENO: 1 de DICIEMBRE de 2017
DURACIÓN: 1 h 40 min

PLANO INICIAL: BUSCANDO EL CARGADOR

ALFONSO: «De todas formas ya es mala suerte. Una familia destrozada por un mensaje

ANA: No, no, una familia destrozada por un putón de 23 años.

EDUARDO: Si Clara no hubiera leído el mensaje…esto (el móvil) tiene la culpa. Cuando no había de estos no había tantos problemas»

Selfi frente al eclipse

Dirección: Álex de la Iglesia
Guion: Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia (basado en un guion del mismo título de Paolo Genovese)
Productor: Telecinco Cinema, Nadie es Perfecto, Pokeepsie Films, Perfectos Desconocidos A.I.E.
Música: Víctor Reyes
Fotografía: Ángel Amorós
Director artístico: José Luis Arrizabalaga
Figurinista: Paola Torres
Maquillaje: José Quetglas

Película distribuida en España por Universal. La película es un remake del film homónimo italiano, Perfetti sconosciuti, realizado en 2016 por Paolo Genovese.

SINOPSIS

Noche de eclipse en Madrid en la que algunos anuncian el fin del mundo y tres parejas y un amigo soltero que se conocen de toda la vida se preparan para cenar en casa de una de ellas. Lo que parecía iba a ser una noche normal, en la que conocerían a la novia del único soltero entre ellos (Pepe, protagonizado por Pepón Nieto), termina con una original propuesta en torno a sus teléfonos móviles: todos se verán obligados a leer en voz alta los mensajes y atender públicamente las llamadas que reciban. El juego colocará sus secretos mejor guardados sobre la mesa.

Los protagonistas son, además de Pepe, los matrimonios formados por Eva y Alfonso [Belén Rueda y Eduard Fernández], Antonio y Ana [Ernesto Alterio y Juana Acosta] y Eduardo y Blanca [Eduardo Noriega y Dafne Fernández]. También tiene una pequeña parte Beatriz Olivares, que interpreta a Sofía, la hija de Alfonso y Eva.

Lista de actores [equipo artístico]
Esperando a Pepe
Pepe

–LISTA DE CANCIONES Y MÚSICA–

  1. Everything Is Allright – Joana Rubio
  2. You Stopped the World – The Yearning
Los peores secretos están sobre la mesa
Pareja 1 en la mesa
Pareja 2 en la mesa
La pareja 3, los anfitriones, en la mesa

LOCALIZACIONES

Película rodada en MADRID (Comunidad de Madrid).

Edificio donde se encuentra el apartamento en el que tiene lugar la película

CRÉDITOS DEL FINAL

Hay que dar marchas atrás para ir hacia adelante, claro.

ENTREVISTA realizada para ESQUIRE por el director Álex de la Iglesia con motivo del estreno de la película: https://www.esquire.com/es/actualidad/cine/a13953242/perfectos-desconocidos-alex-de-la-iglesia-entrevista/

La peli habla de la esclavitud que genera la tecnología, pero veo que también el movimiento te tiene esclavizado a ti.

Sí, pero lo veo en positivo. Como los móviles: de acuerdo, generan muchos problemas, son como una pistola de rayos que en un momento dado se te puede disparar y le das a la abuela; pero en mi caso te diré que es indispensable. Volviendo a lo que hablábamos, lo que me fascina de una película es el ritmo, y creo que a través del ritmo se puede conseguir el contenido. Lo que me da miedo es separar las cosas. Que es lo que implica el pararse a pensar, es morir. Detenerse es morir.

BALADA TRISTE DE TROMPETA (2010)

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–LA PELÍCULA SE ESTRENÓ EL 17 de DICIEMBRE de 2010–

Producción: Tornasol Films / Castafiore Film / Mikado Film / La Fabrique 2/
Director
: Álex de la Iglesia
Guión: Álex de la Iglesia
MúsicaRoque Baños
FotografíaKiko de la Rica
Duración: 1 hora 45 minutos

–Película rodada en la Ciudad de la Luz (ALICANTE), VALENCIA y Bocairent–

Depósito Legal: M-34559-2010

Madrid, 1937. En plena guerra civil, tropas republicanas irrumpen en un circo, durante el espectáculo, para reclutar a sus empleados para luchar contra las tropas nacionales. La mayoría son asesinados y los demás son condenados a trabajos forzados en la construcción del Valle de los Caídos como es el caso del payaso que interpreta Santiago Segura. En 1973, año del asesinato del presidente Carrero Blanco, el hijo de dicho payaso, Javier, se convertirá en el Payaso Triste y luchará por el amor de una atractiva trapecista (Carolina Bang) contra un temible rival, el Payaso Gracioso/Sergio (Antonio de la Torre).

 

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Plano inicial

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Javier de niño [Sasha di Bendetto]
 

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Sergio

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Javier

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Natalia, la trapecista [primera película de CAROLINA BANG]
 

Javier ve a Raphael, es testigo del atentado a Carrero y conoce a Franco

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Plano final

 

:CANCIONES:

  • Balada de la Trompeta [Ballata della Tromba] – Raphael
  • Corazón contento – Marisol
  • Luca – Gianni Boncompagni/Paolo Ormi [original de Raffaella Carrà]
  • La quiero a morir [Je l’aime a mourir] – Francis Cabrel

MÚSICA ORQUESTADA Y DIRIGIDA POR ROQUE BAÑOS
Grabada en el Studio 1 de la Slovak Radio de Bratislava entre los días 16 y 18 de agosto de 2010 interpretada por la Bratislava Symphony Orchestra

Marcha de procesión interpretada por la banda de cornetas y tambores de la fundación «Julián Santos» durante los días 13 y 14 de agosto de 2010 mezclada en Meliam Music Studio de Madrid entre los días 18 y 22 de agosto de 2010.

CANCIÓN ORIGINAL: «Ballata della tromba» de Nini Rosso

 

AGRADECIMIENTOS DE ÁLEX DE LA IGLESIA

A todos los que sufrieron y murieron en aquellos años y nadie les recuerda, y

A los payasos de la tele por hacerme feliz.

 

 

 

 

EL DÍA DE LA BESTIA (1995)

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ESTRENO: 20 de OCTUBRE de 1995
 
Duración: 1 h 44 min
 
Dirección: Álex de la Iglesia
Guión: Jorge Guerricaechevarria y Álex de la Iglesia
Música: Battista Lena
 
Película rodada en las ciudades de Madrid y Torrejón del Rey (Guadalajara)

 

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Plano inicial – El padre Ángel sabe algo
 

Segundo largometraje de Ález de la Iglesia tras Acción mutante. Ángel Berriartua (Álex Angulo), sacerdote vasco y catedrático de teología en la Universidad de Deusto, ha descifrado una clave dentro del libro del Apocalipsis de San Juan mediante la cual conoce que el anti-Cristo va a nacer en Madrid en Nochebuena: “voy a pecar, voy a hacer todo el mal que pueda porque es necesario”. Por ese motivo se traslada a Madrid aunque no sabe en qué lugar de la ciudad ocurrirá dicho suceso. Para averiguarlo, se dedica a cometer pecados que lo acerquen al Diablo. Buscando una señal, conoce a José María (Santiago Segura), aficionado al death metal y dueño de una tienda de discos, quien le va a acompañar en su intento de invocar al demonio y salvar al mundo de la llegada del anti-Cristo.

ESCENA FAMOSA CON EL ANUNCIO DE SCHWEPPES

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El padre Ángel le comunica su hallazgo a su amigo

La escena inicial se rodó en el Santuario de Aránzazu (País Vasco) solo en el plano exterior. Para el interior se utilizó un colegio de Madrid que fue decorado para que simulara una iglesia.

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«Te pudrirás en el infierno»                                                                                                                            La idea para esta escena fue tomada originalmente de un guión de Luis Buñuel basado en la novela Á rebours [Al revés] del escritor francés Joris-Karl Huysmans pero que nunca llegó a filmar y que tenía como protagonista a un cura satánico.


José María le recomienda al padre Ángel que se hospede en el hostal de su madre, Rosario (Terele Pávez). Caminando por la calle primero y después en la televisión del hostal, el cura ve el programa de ciencias ocultas del profesor Cavan (Armando De Razza), autor de un libro sobre el mismo tema que Ángel utilizará para ponerse en contacto con Satán. Para invocar al demonio, le pide ayuda a José María y, entre los dos, secuestran al profesor Cavan en el apartamento de éste. El padre Ángel le explica a Cavan que ha averiguado que hoy es el día de la bestia y que esta noche será el comienzo del fin del mundo. Para invocar al demonio es imprescindible la sangre de doncella. En ese momento aparece Susana (Maria Grazia Cucinotta), novia de Cavan, pero su sangre no sirve ya que no es virgen.

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SANTIAGO SEGURA
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TERELE PÁVEZ
 
 
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Susana (Cucinotta) llega al apartamento de Cavan

Al padre se le ocurre usar la sangre de Mina (Nathalie Seseña), empleada en el hostal y virgen, a quien le da unos somníferos para dormirla y extraerle la sangre. Mientras se la extrae, aparece Rosario con una escopeta recortada de su difunto esposo guardia civil. Rosario le dispara en la oreja al sacerdote comenzando una pelea entre ambos que termina con la muerte de la mujer después de que Ángel la deje caer por las escaleras del hostal. De vuelta a la casa de Cavan, los tres hombres invocan al demonio y éste se aparece en forma de cabra aunque se marcha sin hacer nada. Después de la marcha de la cabra, el demonio comienza a aporrear la puerta de entrada al apartamento. Los tres escapan por la ventana y descienden a la calle a través de un gran anuncio de Schweppes que los lleva hasta la Gran Vía madrileña. Sin embargo, Cavan cae y es rescatado por los bomberos después de darse un gran golpe. El padre Ángel y José María escapan para seguir su búsqueda del diablo.

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NATHALIE SESEÑA
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Los tres hombres invocan al demonio dentro del círculo
 

Mientras el cura espera a José María, quien ha ido a robar un coche, ve cómo un grupo de fascistas quema a un indigente actuando bajo el lema «Limpia Madrid». Cuando va a socorrerle, Ángel se da cuenta de que el indigente tiene una camiseta de un grupo de death metal llamado Satannica. En ese momento, el sacerdote recuerda que esa noche se celebra un concierto de dicho grupo en un lugar cercano como le dijo José María cuando se conocieron. En el local del concierto, ve a una mujer embarazada que él piensa que es la que va a dar a luz al anti-Cristo y le arranca una medalla con una cabra que lleva colgada al cuello llevándose una paliza de parte de los amigos de la mujer que lo dejan medio muerto y es rescatado por José María. Cuando se recupera, ambos se ponen en contacto con Cavan quien les dice que ha descubierto en su libro que la marca del diablo, en su intento de imitación de la cruz de Cristo, es igual que las Torres Kio (Puerta de Europa) de Madrid por lo que deducen que es ese el lugar donde se dará a luz al anti-Cristo.

 

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Las Torres Kio, lugar donde se espera el nacimiento del anti-Cristo
 

Al llegar a las torres se encuentran con el grupo de fascistas que habían quemado al indigente y que acaban de matar a un grupo de pobres que estaban durmiendo bajo unos cartones con un niño en brazos (en teoría, lo matan porque creen que ese niño es el anti-Cristo). Mientras dos le están pegando a José María en la azotea de las torres, el padre Ángel se esconde y ve que son esos hombres quienes verdaderamente representan al demonio. José María consigue matar a uno pero el otro, con forma de cabra a los ojos del sacerdote, termina por tirarlo desde lo alto y matarlo. Ángel escapa y consigue salvar a Cavan tras matar a los otros dos ultras fascistas que le estaban pegando. Al aparecer el último que queda vivo y que ha matado a José María, el padre Ángel también lo mata de un tiro en la cabeza. La película termina en una escena en el parque del Retiro con el padre Ángel y el profesor Cavan. Ambos han sido ignorados y olvidados por la sociedad a pesar de que piensan de que han salvado el fin del mundo.

 

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Plano Final – Ángel y Cavan se marchan por el Retiro pasando bajo la estatua del Ángel Caído

«Tras una comedia de acción satánica, se esconde una historia que pone de relieve los demonios que habitan en una gran ciudad» (De la Iglesia, 1995).

 

CULTURA Y SOCIEDAD DE ESPAÑA

 

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Tienda de Sex Shop, típicas en los 80 y 90, al lado de la tienda de discos de José María
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Luis Mariñas (y el profesor Cavan) en los televisores de la tienda hablando de la corrupción en el PSOE, partido que gobernaba en 1995

 

BANDA SONORA

El grupo Def con Dos es autor de la canción principal y que lleva el mismo título de la película. El resto de piezas que aparecen en el film son:

  1. Ministry: «Just One Fix»
  2. Headcrash: «Scapegoat»
  3. Soziedad Alkoholica: «Feliz Falsedad»
  4. Ktulu: «Apocalipsis 25D».
  5. Extremoduro con Albert Pla: «El Día de la Bestia»
  6. Negu Gorriak: «Dios Salve al Lehendakari»
  7. Eskorbuto: «Mucha Policía, Poca Diversión»
  8. The Pleasure Fuckers: «Socio de Satán»
  9. Pantera: «By Demons Be Driven»
  10. Sugar Ray: «Snug Harbor»
  11. Sugar Ray: «Rhyme Stealer»
  12. Parálisis Permanente: «Un Día en Texas»
  13. Siniestro Total: «Mi Nombre es Legión»
  14. Silmarils: «Love Your Mum»

EL PISITO (1959)

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ESTRENO: 15 de JUNIO de 1959
[Cine ROXY, Madrid]
Duración: 1 h 16 min
Dirección: Isidoro M. Ferri; Marco Ferreri
Guión: Rafael Azcona y Marco Ferreri.
[Basado en la novela El pisito de Rafael Azcona]
Música: Federico Contras – interpretada al organillo por Antonio Apruzzesse
-Número de jazz compuesto e interpretado por el conjunto “Blue Stars”-

 

Frase:
“Debimos casarnos antes, Rodolfo, aunque hubiéramos tenido que vivir en una chabola”.

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Plano inicial – Amanece en Madrid

Madrid. Rodolfo (José Luis López Vázquez) y Petrita (Mary Carrillo) son novios desde hace doce años y quieren casarse. Sin embargo, la escasez de pisos en alquiler y el alto precio de estos se lo impiden. Rodolfo vive con doña Martina Rodríguez (Concha López Silva), su anciana y moribunda casera, quien tiene un contrato de alquiler sobre el inmueble a bajo precio (30 pesetas al mes) en plena Gran Vía madrileña. Su jefe le recomienda que se case con doña Martina de modo que cuando ésta fallezca él heredará Rodolfo heredará el contrato de alquiler. Lo que parece una idea descabellada en un principio ira, progresivamente, pareciéndole algo razonable a la pareja de novios…

 

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El particular trio de personajes

Petrita se da cuenta de que cada vez está mayor para tener hijos y además a su hermana y su cuñado, con quienes vive, no quieren seguir compartiendo piso con ella ya que tienen varios hijos y muy poco espacio. “Aquí no puedes seguir, ¿dónde vamos a meter lo que llevo”, dice su hermana (Maria Luisa Ponte) en referencia al hijo del que está embarazada. Por todo ello, Petrita se ve obligada a pedirle a Rodolfo que se case con «la vieja”. Será ella misma la que se lo propondrá a doña Martina. Al principio la anciana incluso se desmaya al conocer la extraña proposición pero, después de considerarlo en casa, no le parecerá tan mala idea ya que así tendría a alguien que se ocuparía de cuidarla y se haría cargo de su gato y de sus cosas cuando falleciese. La intervención del callista Dimas (José Cordero), otro inquilino de la anciana que se quedaría en la calle al fallecer ésta, será fundamental para que se produzca el enlace matrimonial al estar continuamente presionando a Rodolfo y tras recomendarle a doña Martina que lo haga para no tener que preocuparse de nada en lo que le queda de vida.

 

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Foto de la boda

Al contrario de lo que todos esperaban, doña Martina comienza a gozar de buena salud con lo que la impaciencia de Petrita se irá agotando poco a poco: “Debimos casarnos antes, Rodolfo, aunque hubiéramos tenido que vivir en una chabola”. Petrita se ve obligada a compartir a su novio con una mujer anciana que trata a Rodolfo como un esposo, obligándole a acompañarla a todos lados, y como un hijo al que recomienda que no se case con Petrita sino con Mery (Celia Conde), otra de sus inquilinas. Un día llaman a Rodolfo al trabajo diciéndole que a su esposa le han dado la extrema unción. Mientras la anciana agoniza, Petrita se pone a buscar la cartilla de ahorros de ésta ya que le ha dicho que tiene mucho dinero ingresado. En el momento en que fallece la vieja se dan cuenta de que la cartilla estaba escondida detrás del cuadro de la cabecera de la cama. La última escena de la película, que muestra el entierro de doña Martina, mezcla la tristeza del funeral y la alegría de Petrita puesto que ahora ya tiene piso para poder casarse y dinero con el que poder comprarse muchas cosas nuevas y vivir como llevaba años deseando.

 

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Plano Final – Petrita se va con Rodolfo

El pisito fue la primera película de la trilogía que el director italiano Marco Ferreri realizó en España (las otras dos son Los chicos y El cochecito) y recibió el Premio de la Asociación Internacional de la Prensa de Cine otorgado en el Festival de Locarno en 1958. Aunque la película se produjo y estrenó en Locarno en 1958, no se estrenaría en cines comerciales hasta 1959, de ahí que aparezca con años diferentes dependiendo de la fuente que se consulte.

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El cartel del estreno en 1959 incluía como primer actor a Mary Carrillo dando cuenta de la popularidad de la actriz

 

CULTURA Y SOCIEDAD DE ESPAÑA

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Las primeras máquinas de palomitas de maíz llegan a España

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Autobús con publicidad de «Anís La Asturiana»

LA VIDA POR DELANTE (1958)

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Dirección y argumento: Fernando Fernán Gómez
Música: Rafael de Andrés

Acogida al Crédito Sindical

Frase:
«Estamos recién casados. Hay que visitar castillos y todo lo que le pongan a uno por delante. Si no la gente se ríe…» (Josefina)
Palabras curiosas: el término «enchufar» entendido como «colocar en un cargo a alguien que no tiene méritos para ello por amistad» se utiliza ya en la película.

 

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Plano inicial – Antonio y Josefina gritan «te esperamos» a ¿quién?

 

Antonio Redondo (Fernando Fernán Gómez), estudiante de Derecho de último año, va a casarse con Josefina Castro (Analía Gadé), licenciada en medicina. Sin embargo, los padres de ella la obligan a esperar a que él termine la carrera con lo que ambos pretendientes ponen todo su empeño por hacerlo lo antes posible. Finalmente, él consigue terminar sus estudios y se casan.  Después de la luna de miel, comienza su verdadera vida matrimonial. Antonio tiene problemas para conseguir un trabajo fijo con el que ayudar a la economía familiar lo que crea cierto malestar en Josefina, quien no trabaja a pesar de haber estudiado como era habitual entre las mujeres casadas durante la dictadura franquista. El matrimonio vive en casa de los padres de ella por lo que su primera misión será encontrar un piso para ellos solos…

 

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Uno de los primeros papeles de la actriz argentina Analía Gadé en España

 

NO SIGAS LEYENDO SI NO QUIERES CONOCER EL RESTO DEL ARGUMENTO 

Los trabajos de Antonio serán variados: vendedor de aspiradoras, presentador de espectáculos musicales, extra en el teatro, maestro de un colegio femenino (en el que estudia Rosa Sanchidrián, papel interpretado por Gracita Morales). El trabajo de enseñante es el más estable aunque en casa Antonio le dice a Josefina que es una escuela de chicos para que su mujer no se ponga celosa. Sin embargo, un día Josefina va a esperar a su marido a la salida del trabajo y se da cuenta de la verdad y sale corriendo enfadada. Al volver a casa Josefina le dice a sus padres que Antonio es un “sultán, un gallo en su gallinero”.

 

Para arreglar sus problemas, el padre de Josefina les va a dar el dinero con el que alquilarán un piso muy pequeño y viejo a cambio de que Antonio abandone su trabajo en el colegio. Un día invitan a casa a Manolo (Manuel Aleixandre), antiguo amigo de Antonio y bon vivant millonario, que va a “enchufar” a Antonio en un bufete de abogados. Manolo representa el éxito que el matrimonio anhela y que todavía no ha podido conseguir. La vida matrimonial continua adelante a pesar de las estrecheces económicas. Antonio le regala un coche a su mujer y un día ésta tiene un accidente. En comisaría, declaran las dos partes involucradas: Josefina y dos camioneros que transportaban animales. Cada uno cuenta su versión de los hechos favoreciendo respectivamente su inocencia. El único testigo (José Isbert), tartamudo, tarda mucho tiempo en declarar lo que vio pero no sirve para esclarecer los hechos ya que, en realidad, no vio nada.

 

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Fernando Fernán Gómez agradece su breve aparición a José Isbert

 

El primer trabajo como abogado de Antonio será, precisamente, defender a su mujer en el juicio por el accidente de tráfico. Antonio hace un pésimo trabajo y Josefina pierde el pleito por lo que tendrá que pagar una multa de mucho dinero a los dueños del camión. Antonio abandona el bufete ya que se da cuenta de que la abogacía no es lo suyo: “Manolo tenía razón, tenía que haberme aplicado más en los estudios». Josefina decide entonces abrir una consulta de psiquiatría para poder traer más dinero a casa a través de la cual gana mucha popularidad entre hombres de mediana edad debido a su belleza. Josefina no aguanta las continuas insinuaciones de los hombres y cierra la consulta cuando Antonio descubre que sus pacientes no son todas mujeres como ella decía. La película termina con un paseo del matrimonio en el que, una vez más, hablan sobre las posibilidades de triunfar en el futuro. Al final aparece de nuevo el amigo Antonio, en un lujoso coche y acompañado por varias señoritas, símbolo del éxito que continúan buscando Antonio y Josefina. La película comienza y termina en la misma escena con el matrimonio gritando “te esperamos, Manolo” mientras éste se marcha en el coche con las mujeres por lo que se revela que toda la historia es un flashback que fortalece la idea de búsqueda continuada de la felicidad por parte de los dos protagonistas de la película.

 

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Plano Final – Antonio y Josefina gritan «te esperamos» a Manolo

CULTURA Y SOCIEDAD

 

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Antonio intenta vender una aspiradora, artículo poco extendido en la España de 1958

 

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Publicidad del «Anis Marabú» en un tranvía de Madrid

MORENA CLARA (1936)

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ESTRENO: 11 de ABRIL de 1936 [Sábado Santo, Cine Rialto, Madrid]
Duración: 1 h 45 min
Dirección: Florian Rey
Guión: Antonio Quintero y Pascual Guillén
Música: Rafael Martínez
Letra de canciones: R. Perelló; S. Cantabria; y Quintero y Guillén

 

Laboratorio: Madrid Film

Frase:

«Los gitanos son enemigos perpetuos de la sociedad. Por regla general, nacen, viven y mueren al margen de la ley. Es decir, que si la justicia puede inclinarse a la clemencia ante el ciudadano que delinque por un motivo circunstancial, si el delincuente es un gitano el delito obedece siempre a un mandato de su rebelde constitución moral» (Enrique, Fiscal de la Audiencia de Sevilla).

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Plano inicial – La venta de Los Platillos

Trini Márquez (Imperio Argentina) y su hermano Regalito (Miguel Ligero), gitanos, llegan a la Venta de Los Platillos, a 15 kilometros de Sevilla, para robar unos jamones de Jabugo. Trini consigue entrar en la venta y lanzarle los jamones a su hermano por la ventana. Después de robarlos, su hermano se los vende al dueño de la venta (por 75 pesetas) sin que este se dé cuenta de que son sus mismos jamones. Más tarde, el dueño se percata del engaño y la Guardia Civil detiene a los dos hermanos y los lleva a Sevilla para ser juzgados allí. Enrique (Manuel Luna), el fiscal de la Audiencia de Sevilla, se muestra muy duro contra los dos hermanos y la raza gitana a la que considera una amenaza continua para la sociedad y pide seis meses de prisión para los acusados. La defensora, sin embargo, proclama la inocencia intrínseca del pueblo gitano y consigue que Trini y Regalito no vayan a la cárcel. Después de eso, Trini decide quedarse a buscarse la vida en Sevilla como artista aprovechando la celebración de las fiestas de las Cruces de Mayo. Su vida y la del fiscal volverán a cruzarse muy pronto…

 

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Títulos de reparto 

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Miguel Ligero e Imperio Argentina cantan y bailan «Échale guindas al pavo»

Trini y Regalito hacen su aparición en una fiesta de la clase alta sevillana y cantan la canción “Échale guindas al pavo”. Después de la fiesta, Trini se encuentra con Enrique, el fiscal, y le pide que la ayude para no tener que volver a robar. Trini se gana el aprecio de la madre de Enrique, doña Teresa (María Brú) quien la deja que se quede a vivir en casa. El conflicto surge cuando Rosales viene a pedirle a Enrique que intervenga en la liberación de un tal Paquillo Antequera cuando se celebre la vista. Enrique se enfada con él y no admite ninguna influencia externa. Sin embargo, Rosales le deja una cartera como regalo. Después, moviéndose por la casa, Trini encuentra que hay 25.000 pesetas dentro de la cartera sin que Enrique lo sepa. Trini piensa que lo han puesto a posta para probar la decencia de la gitana pero ha tramado un plan y se lleva el dinero.

 

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Anuncio publicado en ABC el 25 de mayo de 1936

El hermano de Enrique le pide a dinero a este ya que tiene muchas deudas en su empresa. Enrique no accede, lo que hace que aparezca Trini y, simulando hacer magia gitana, le esconde el dinero en el bolsillo a don Elías (Pepe Calle), padre de los dos hermanos, y lo hace aparecer. Todo hace sospechar a Enrique aunque este desconocía la existencia de ese dinero en la cartera. Después, aparece Rosales con Antequera para pedir de nuevo la intervención de Enrique. El enfado de este les hace creer que les ha parecido insuficiente la cantidad de dinero con lo que vuelven a dejarle más dentro de la cartera. Más tarde, aparece una mujer que dice que su hija es el fruto de una relación extramatrimonial con don Elias, padre de Enrique. La mujer trae una carta de don Elías para enseñársela a doña Teresa. Antes de que se la enseñe, Trini dice que la carta la había puesto ahí ella como parte de una broma para hacer reír a la señora de la casa. Al sacar la carta, doña Teresa se cree la broma y se ríe tanto que incluso llama al juzgado a Enrique para contárselo. Enrique, en agradecimiento, se lleva a Regalito a beber manzanilla en un bar de Sevilla, regresa a casa borracho y le da a Trini las 25.000 pesetas que ésta había puesto en los bolsillos de don Elías así como las otras 25.000 que había dejado Rosales en la cartera por segunda vez. Trini le da la mitad a don Elías para que se lo dé a su hija bastarda.

 

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El gitano y el gaché beben juntos en la barra del bar

Enrique habla después con Antequera para devolverle el dinero. Se lo pide a Trini pero ella ya se lo ha dado a don Elías por lo que Enrique se enfada ya que será negativo para su reputación profesional que la gente sepa que ha sido sobornado. El enfado del fiscal deriva en varios insultos racistas por la condición de gitana de Trini. La gitana, triste, canta la canción “Gitana que tú serás, como la falsa moneda, que de mano en mano va, y ninguno se la queda”. Don Elías arregla el malentendido y le cuenta la verdad a su hijo. Enrique aprovecha entonces para declararle su amor a Trini y pedirle matrimonio. La película termina con Trini defendiendo su raza y la unión entre diferentes razas: “Aunque soy morena clara, / no sufras por mi color, / morena es la Macarena / y su hijo nuestro señor / del color de la Azucena”.

 

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Plano final de la película

«Los espectadores del estreno aplaudieron calurosamente muchas escenas de la película e hicieron ostensible su fervoroso entusiasmo al final de la proyección. La gitana de Imperio Argentina es la mejor interpretación conseguida por la actriz española desde el advenimiento del micrófono; graciosa en las intervenciones cómicas, justa en el matiz sentimental y exacta de voz y gesto siempre, la sola presencia de Imperio Argentina hubiera justificado el éxito de esta película, que se diría rodada para su exclusivo lucimiento personal si no existieran otros valores entre los intérpretes y en la realización…Tema español, pero sin toreros ni cantaores, sin jóvenes seducidas ni hijos abandonados, y sobre todo, sin pueblo cerril. El diálogo, ingenioso, feliz de frase y de una limpieza-de intención y de lengua- que no es frecuente, en las películas españolas, donde todo, hasta el buen gusto, se sacrifica por un chiste. La realización de Florián Rey, que ha logrado unos fotogramas de auténtico cinema en el baile de la Cruz de Mayo; bellísimos como concepto y ritmo, y certero como colocación de cámara» (Diario ABC, 14 de abril de 1936, última día de la República antes de la Guerra Civil).

 

LA COMUNIDAD (2000)

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Dirección: Alex de la Iglesia

Guión: Jorge Guerricaecheverría; Alex de la Iglesia
Música: Roque Baños

Película rodada en la Comunidad de Madrid


Frase:

“Mira cómo te agarras a la maleta, como si llevaras el alma dentro. Tú eres como nosotros, como todos”.

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Plano inicial – Vista aérea de la comunidad

Madrid. Julia García (Carmen Maura) trabaja en una agencia inmobiliaria y lleva mucho tiempo sin vender un piso. Tras enseñarle un bonito apartamento en el centro a una pareja que no lo quiere comprar por su alto precio, decide quedarse allí a cenar y dormir esa noche con su marido Ricardo (Jesús Bonilla). Sin embargo, por una salida de agua en el techo, descubren que el vecino de arriba lleva varios días muerto. Los demás vecinos del bloque están inquietos por la llegada de Julia y parecen sospechar de ella. Al día siguiente, ésta entra en la casa del vecino fallecido después de encontrarse una cartera del muerto y un pequeño mapa del tesoro en su interior. El vecino, sin parientes conocidos, escondía 300 millones de pesetas debajo de una baldosa y ahora están en manos de Julia. Sin embargo, no le será fácil escaparse de la comunidad con el dinero…

NO SIGAS LEYENDO SI NO QUIERES CONOCER EL RESTO DEL ARGUMENTO 

Los vecinos saben de la existencia de los millones y tienen un plan para recuperarlos. Oswaldo (Roberto Perdomo), vecino cubano, es la pieza central del plan al invitar a Julia a una fiesta en su casa a la que asistirá el resto de vecinos para seducirla. Después, Julia y Oswaldo van al piso de ésta y, mientras ambos están en la cama, los vecinos entran para buscar el dinero pero ella se da cuenta antes de que lo encuentren. Una vez que ella sabe sabe la verdad sobre el interés de los vecinos, la agresividad de todos irá creciendo hasta el final. Emilio (Emilio Gutiérrez Caba), administrador de la comunidad, intenta matar a Julia pero ella se defiende, dejándolo caer y dándole un golpe en la cabeza que acaba con su vida.
La única salida que le queda a Julia es escapar con el dinero (en una maleta) por el balcón del piso, a pesar de estar en la planta quinta. Sin que los vecinos se den cuenta, se esconde en el piso de arriba. Allí Charly (Eduardo Antuña), vecino friki vestido de Darth Vader, la ayuda a escapar por la azotea. Charly cambia la maleta por otra igual pero con el dinero del Monopoly sin que ella se dé cuenta. Cuando tenga que escapar sola desde la azotea, Julia luchará frente a frente con Oswaldo, Castro (Sancho Gracia) y Ramona (Terele Pavez), la vecina más antigua, en lo más alto del edificio. Ramona le dice a Julia que ella es capaz de todo por el dinero pero Julia, en vez de seguir luchando por quedarse con la maleta, se da cuenta de lo lejos que está llegando y le lanza la maleta a la otra haciendo que ésta se caiga desde lo alto y se mate abrazada a la maleta. Los vecinos se dan cuenta y comienzan a pelearse por la maleta. Después vemos una noticia del periódico: “Un grupo de vecinos se mata entre sí por un dinero que no existe”. Al final, Julia se encuentra con Charly, quien tiene el dinero, en el bar “El oso y el madroño” y bailan un chotis para celebrar que son ricos…

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Plano Final – Azotea de la comunidad

CULTURA Y SOCIEDAD

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El popular bar madrileño «El oso y el madroño» aparece en la última escena